indian_buddhist

Слева направо: Виталий Ганеев, Алексей Петропавловский, Ровшан Мамедкулиев

10 декабря саратовцы имели прекрасную возможность насладиться звучанием, пожалуй, самого популярного инструмента в мире. Состоявшийся в зале Областной универсальной научной библиотеки концерт классической гитары – уже далеко не первый в этом году.

Не прошло и двух месяцев с того момента, когда в Саратове выступал уроженец Самары Константин Окуджава, как в гости с концертом пожаловали другие поволжские музыканты: Алексей Петропавловский и Ровшан Мамедкулиев из Нижнего Новгорода. Гитаристы, к слову, уже знакомые саратовской публике – два года назад они выступали в нашем городе.

Нижегородский дуэт, выступление которого ожидало всех пришедших на очередной «Вечер классической гитары», организованный гитаристом и педагогом Виталием Ганеевым, не совсем обычен. Дело в том, что это дуэт учителя и ученика. Ровшан Мамедкулиев – воспитанник Алексея Петропавловского, преподавателя Нижегородского музыкального колледжа им. М.А. Балакирева и Нижегородской государственной консерватории им. М.И. Глинки.

Алексей Петропавловский, помимо активной педагогической и исполнительской деятельности, занимается научной деятельностью: имеет ученую степень кандидата искусствоведения и является автором нескольких научных работ. Как сольный исполнитель, выступает в дуэте с Ольгой Петропавловской (фортепиано), а как солист – с камерным оркестром «Солисты Нижнего Новгорода».

Ровшан Мамедкулиев в настоящее время аспирант и преподаватель Нижегородской консерватории. Достижения гитариста отмечены рядом побед на международных конкурсах и фестивалях, в числе которых III премия на I Международном конкурсе гитаристов имени А. Фраучи в Москве в 2009 году.

Выступление нижегородских музыкантов в Саратове собрало практически полный зал. Ведь гитарный дуэт – это всегда нечто особенное, более звучное и интересное. Однако ожидали зрителей и сольные выступления гостей.

Формат концерта был не совсем привычный, без антракта. Вечер условно состоял из трех частей. В первой части слушателей ожидало выступление дуэта, во второй – сольные выступления гитаристов, а вот третья часть была отдана публике. Все желающие в завершении вечера смогли задать свой вопрос исполнителям.

Первую часть Алексей Петропавловский и Ровшан Мамедкулиев открыли «Концертными вариациями» итальянского классического гитариста, композитора и педагога XVIII–XIX вв. Мауро Джулиани. Далее дуэт исполнил несколько произведений испанских и итальянских авторов XIX–XX вв.: каноническую сонатину Марио Кастельнуово-Тедеско, испанский танец № 2 («Oriental») Энрике Гранадоса, серенаду «Алая башня» Исаака Альбениса, милонгу и танго-сюиту Астора Пьяццоллы.

Как концертный коллектив, дуэт Алексея Петропавловского и Ровшана Мамедкулиева насчитывает 6 лет. Неотъемлемым условием успешного сотрудничества Алексей Алексеевич считает равноправные дружеские отношения. «Камерная музыка, – говорит Петропавловский, – предполагает слияние и создание единого целого». К тому же дуэт, по признанию Петропавловского, ближе всего ему самому по духу. Залог музыкального взаимопонимания для гитаристов – ощущение внутренней свободы. И без сомнений, зал почувствовал это взаимопонимание в их выступлении – живом, ярком, выразительном.

Ученику Петропавловского, Ровшану Мамедкулиеву, по его словам, по душе больше сольные выступления. К тому же на этой стезе он добился немалых успехов. Во второй части вечера, когда музыканты играли сольно, слушатели смогли убедиться в профессионализме Ровшана. Стиль его игры отличают выразительность и харизматичность, уверенность и мощность звучания. Выступление Мамендкулиева никого не оставило равнодушным в зале, подтверждением тому были бурные аплодисменты.

Во второй части вечера гитаристами были исполнены произведения Лео Брауэра, Франсиско Тарреги. Прозвучала и композиция Алексея Петропавловского «Баллада» в исполнении самого автора.

В заключение концерта ведущий Виталий Ганеев предложил присутствовавшим задать свой вопрос нижегородским гостям. Ганеев отметил, что классическая гитара, увы, мало освещается в СМИ, поэтому в этот вечер организаторы предоставили возможность пообщаться с музыкантами всем желающим.

Наверное, самой популярной темой вопросов стала тема, так сказать, «русского»: о том, почему в репертуаре музыкантов практически отсутствуют сочинения русских композиторов, о русской гитарной школе. Вопросов было задано немного, но было видно, что зрители проявили интерес к этой организаторской затее. Быть может, эта практика станет частью традиции вечеров классической гитары?

На бис Алексей Петропавловский и Ровшан Мамедкулиев исполнили еще одну композицию, порадовав благодарных слушателей.

Интересно, будут ли в ближайшем будущем терминалы оплаты принимать монеты? А то что же это такое получается? Бумажные банкноты достоинством 10 рублей из массового обращения скоро выйдут, значится, и придётся "скармливать" терминалу минимум 50 рублей, оплачивая сотовую связь? Что же это за такая медвежья услуга с введением десятирублёвых монет?

Наталья Михайловна Никифорова, организатор выставки

В марте этого года в Радищевском музее уже проходила выставка детских рисунков «Этюды детства», на которой были представлены более 50 работ юных художников 1960–1980-х годов из фонда Детской художественной школы. Открывшаяся 25 ноября в стенах художественного музея имени Радищева выставка «Форма и образ» – продолжение весенней экспозиции.

Выставка детских рисунков «Форма и образ» стала очередным результатом совместной просветительской деятельности Радищевского музея и Детской художественной школы. Однако, в отличие от весенней экспозиции «Этюды детства», нынешняя выставка, по словам ее автора, педагога Детской художественной школы Натальи Михайловны Никифоровой, носит, помимо всего прочего, и учебно-методический характер.

По своему замыслу «Форма и образ» – это не просто показ детских рисунков, это и попытка призвать к диалогу педагогов, родителей, студентов и всех заинтересованных в данной сфере людей. В рамках экспозиции планируется ряд семинаров, посвященных вопросам художественного мастерства, для преподавателей детских художественных школ, детских школ искусств и изостудий Саратова и Саратовской области, учащихся данных заведений и их родителей.

На выставке представлены работы юных художников различных возрастов, начиная с трех лет. Все эти рисунки выполнены воспитанниками Натальи Михайловны Никифоровой в 1990–2000-х годах. Однако организована экспозиция не совсем в обычной форме. Наталья Никифорова создала из детских работ серию коллажей, объединенных определенной темой. Каждая из представленных пяти тем имеет свое оригинальное название. Основная же задача – показать, как в процессе детского творчества из формы рождается образ.



Процесс развития индивидуален, его всегда сложно уловить, считает автор экспозиции. Поэтому слово «процесс», по замечанию Натальи Михайловны, на данной выставке является ключевым.

На первом коллаже «Играем и творим, да песенки поем» представлены работы самых маленьких художников, возраст которых от трех до шести лет. Основная тема данного коллажа – игра, в которой юные творцы познают себя и окружающий мир. Детские каракули, говорит Наталья Михайловна, представляют собой «законченные, сбалансированные и организованные по законам гармонии абстрактные композиции со своей мелодией и смыслом».

Второй коллаж «Игра ума взрослеет – что делать с интеллектом? А может, заглянуть за горизонт… И как там?» составлен из работ учащихся двенадцати-четырнадцати лет. Как известно, этот возраст – время противоречивых переживаний, поиска доверия и понимания. В этом возрасте дети подчас прибегают к языку метафор, ассоциаций, замечает педагог. Поэтому «в процессе творческого поиска выразительные средства могут оказаться неожиданными даже для самого автора». На данном этапе ребенок с трудом может ответить на вопрос «что ты тут нарисовал?», он, скорее, отвечает на вопрос «как?».

Третий коллаж – «А если поплавать в море цвета… Ух ты – здорово!». Его основная тема – игра с цветом. Благодаря процессу живописи ученик получает возможность почувствовать восторг от самого процесса, почувствовать полноту образов, «искупаться в море цвета» – по меткому выражению Натальи Никифоровой.

Последние два коллажа – «Украшу узором снаружи» и «Как быть? Узор спрятался внутрь…» – посвящены орнаменту, «неотъемлемой части рационального и эмоционального состояния жизни любого народа». «Если в раннем возрасте дети интуитивно чувствуют природные законы гармонии, то в более старшем – требуется и логически обоснованное изучение законов построения орнамента», – поясняет Наталья Михайловна. В дальнейшем навыки, которые накапливаются у учащегося при разработке узоров, органично переходят в создание более крупных работ.

В целом же коллажи представляют собой единое целое – процесс рождения образа из формы. А своеобразная организация экспозиции дает возможность проследить различные задачи, выполняемые учащимися, и увидеть авторскую методику.

Ценно и то, что выставка, организованная педагогом Детской художественной школы Натальей Михайловной Никифоровой, проводится в залах Радищевского музея. Таким образом поддерживаются традиции «тесной взаимосвязи рисовальной школы и музея», заложенные основателем музея Алексеем Петровичем Боголюбовым.

Илья СВЕШНИКОВ
фото автора

газета "Богатей", №41 (555), 2 декабря 2010 г.

В газете «Богатей», № 37 от 28 октября 2010 года была опубликована статья «На крючке» о необычном молодежном увлечении – подвешивании, во время которого человека подвешивают на металлических крюках, продетых через проколы в его коже.

Этот в общем-то небезобидный «обряд» – явление новое для нашего города. Михаил Шилов, один из основателей группы «Skindependence», занимающейся подвешиванием, так охарактеризовал философию «ритуала»: «У каждого, кто решается пройти через подобное, свои внутренние мотивы. Кто-то ищет острых ощущений, для кого-то это шаг на пути самопознания. Лично для меня в ритуале подвешивания сплетено многое – это преодоление себя, своих страха и боли. То, что ощущает человек, оторвавшись от земли, сложно описать словами. Свобода, пожалуй… В некотором смысле это состояние сродни медитации».

«Богатею» показалось интересным узнать мнение специалистов-психологов. По нашей просьбе они ответили на вопрос: каковы могут быть мотивы данного увлечения?

Марк Сандомирский, кандидат медицинских наук, психотерапевт (г. Москва):

а) большое количество эмоциональных проблем, от которых молодые люди, не зная других способов саморегуляции, пытаются справиться с помощью физической боли;

б) наблюдающийся в современном обществе рост так называемой скрытой депрессии, одним из проявлений которой является такое самоагрессивное поведение;

в) у людей с подобным поведением часто присутствует травматичный ранний детский опыт, приводящий к формированию мазохистских черт личности;

г) распространенная в молодежной среде склонность к подражанию, соревнованию, группированию.

Татьяна Лявенко, ведущий консультант, директор Центра Практической Психологии «София» (г. Саратов):

Нелюбовь к себе порождает чудовищные формы во всем, чего она касается. И ритуал подвешивания служит тому ярким примером. Часто люди путают «любовь к себе» с «эгоизмом», который к любви совсем не имеет никакого отношения. Эгоизм есть низкая самооценка, минимум любви к себе.

Любовь к себе – это саморазвитие, самопознание и самосовершенствование. Когда человек любит себя, то он чувствует радость. Когда же он себя не любит, то вместо радости он испытывает боль и страх, от которых стремится избавиться.

Инфантильность и типичная для такого человека позиция жертвы мешают росту и нормальной жизни. Человек начинает пытаться «любить». Он начинает вести борьбу с самим собой. В ход идут псевдогероические поступки в духе подвешивания.

Подвешивание – яркий пример борьбы с собой при низкой самооценке и эгоизме. Через такие эгоистичные акты человек пытается сам себя убедить, что его можно любить. Это игры ума – и не более того. Действительно, подобный ритуал использовался индейцами в целях инициации мальчиков в мужчин. Но это был разовый ритуал, а не стиль жизни. И если качественных изменений в отношениях с самим с собой и миром после подвешивания не происходит, то зачем к этому прибегать? Любая стагнация есть первый шаг на пути к деградации.

Подготовил публикацию Илья СВЕШНИКОВ

газета "Богатей", №41 (555), 2 декабря 2010 г.

В саратовском рок-клубе «Верста» состоялся очередной рок-фестиваль, и все бы было как обычно, если бы не один факт: во второй день мероприятия – 17 октября – на сцене клуба состоялся первый в Саратове показательный «подвес». Что это? Все очень просто: человеку под кожу загоняют несколько крюков и подвешивают его. Зрелище шокирующее и одновременно, как ни удивительно, эстетичное.

Взгляд извне

Молодая девушка, легкая улыбка… Вдох. Металлический наконечник крюка проходит сквозь кожу. Медленно. Этому процессу помогают двое. Еще вдох. Еще один крюк прочно зафиксирован.

Опускается лебедка, ее крепят, затем – медленный подъем. Девушка улыбается. В тот момент, когда ноги отрываются от пола, эта улыбка превращается во что-то другое. Озарение? Счастье?

Лебедка зафиксирована, девушку раскачивают. Две струи крови на плечах. Люди ошарашено смотрят на происходящее. Кажется, еще  чуть-чуть и две напряженные струны оборвутся… Девушку на крюках зовут Александра. И она улыбается.

Корр.: Ты чувствовала боль?

Александра: Нет. Ни о какой боли не идет речи. Это лучшее, что я когда либо ощущала.

Истоки

С точки зрения ритуала, подвешивание являлось путем утверждения иерархии, поиском особого видения, оздоровляющим актом, наказанием, показателем преданности божеству, было частью мистического акта, где дух подвешиваемого покидал тело и взаимодействовал с потусторонним миром. Подвешивание применялось для того, чтобы проверить выносливость ума и тела, или даже чтобы просто шокировать людей. Некоторые автохтонные народы и различные индусские секты использовали подобные ритуалы. Возможно, другие культуры также включали ритуальное подвешивание, но эти два примера зафиксированы и практикуются в наше время.

Взгляд изнутри

В Саратове подвешиванием занимается молодая, но гордая группа «Skindependence». На все вопросы шокированному корреспонденту газеты «Богатей» ответил один из основателей этой команды - Михаил Шилов.

Корр.: Миша, расскажи, как вообще вы к этому занятию пришли?

М. Шилов: Если брать историю, то в Европе данный ритуал стал известен благодаря испанским колонистам и впервые был зафиксирован документально в XVII веке при освоении Южной Африки. Для коренного населения данный ритуал был частью обряда совершеннолетия. Тела проходивших испытание протыкали деревянными щепками, за эти щепки подвешивали в воздухе, и они висели практически целый день. Довольно много аналогий данному обряду можно найти в древних культурах Востока, в частности – в индуизме.

Когда это появилось в Саратове? Первый «подвес» в Саратове состоялся 1 января 2010 года, и на данный момент наша команда – единственная в городе. Но для России в целом подвешивание не является чем-то новым – в Москве и Питере, например, существует по нескольку команд, функционирующих далеко не первый год. В ноябре этого года в Москве даже должна пройти первая Всероссийская конвенция по подвешиванию, где соберутся команды со всей страны, а также из Европы и Америки, чтобы провести мастер-классы, семинары, показательные шоу, поделиться опытом и просто пообщаться друг с другом.

Как мы пришли к самой идее проведения подвешивания? Сложно сказать, здесь у каждого свой путь, и нельзя сказать, что он был короток. Без сомнения, большую роль сыграли наши духовные и философские искания. Сейчас это – часть нашей жизни. Ни в коем случае нельзя назвать это увлечением.

Корр.: В чем заключается философия?

М. Шилов: У каждого, кто решается пройти через подобное, свои внутренние мотивы. Кто-то ищет острых ощущений, для кого-то это шаг на пути самопознания. Лично для меня в ритуале подвешивания сплетено многое – это преодоление себя, своих страха и боли. То, что ощущает человек, оторвавшись от земли, сложно описать словами. Свобода, пожалуй… В некотором смысле это состояние сродни медитации.

Корр.: Я так понимаю, что хочешь – не хочешь, а восприятие мира после этого меняется.

М. Шилов: Да, естественно! Не то чтобы мировоззрение глобально, я бы сказал – мироощущение. Мы привыкли к тому, что ходим по земле, каким-то образом за нее держимся, а когда поднимаешься вверх, когда отпускаешь последнее, причем сознательно, перебарывая животные инстинкты, – можешь взглянуть на все по-новому.

Корр.: Как вы готовитесь к подвешиванию?

М. Шилов: Технически – просто собираем все необходимое снаряжение. Естественно, проводим беседы с теми, кто хочет пройти через данный ритуал. Здесь очень важна моральная поддержка. В процессе подвешивания мастер все время находится рядом, контролируя состояние человека, поддерживая его. А еще в процессе предварительных бесед происходит отсев тех, кто, по нашему мнению, не готов.

Корр.: И что ты говоришь человеку, который к вам пришел?

М. Шилов: Я не говорю с ним, я его слушаю. Кого-то мы отсеиваем на этапе разговора. Кому-то даем возможность. Вообще-то, право дано каждому. Естественно, человек должен быть физически здоров, и мы не работаем с людьми, имеющими хронические заболевания сердечно-сосудистой и нервной систем. В процессе подвешивания у человека есть три попытки подняться. Далеко не всем это дано, но и далеко не всем это нужно. У каждого свой путь.

Корр.: Всегда вешаете только за спину?

М. Шилов: Нет, фиксация за спину – наиболее легкий из вариантов, но далеко не единственный, и, естественно, мы не ограничиваемся лишь им. Более сложные методы подвешивания часто выбирают те, кто проходит через этот ритуал уже не в первый раз. Ну и, конечно же, есть множество зрелищных вариантов фиксации человека на крюках, которые часто используются как элементы показательных выступлений.

Шоу с подвешиванием уже давно стало полноценным элементом современного искусства. Однако истинное подвешивание, корни которого уходят в далекое прошлое, всегда далеко от сцены и толп зрителей, и на нем присутствует лишь ограниченное количество людей. И, если честно, мне более по душе именно такие «подвесы».

Татьяна РАЙС, Александр МАКАРОВ
фото Mary Nightmare

газета "Богатей", №37 (551), 28 октября 2010 г.

21 ноября в корпусе Радищевского музея, что располагается на улице Первомайской, в рамках Саратовского фестиваля архитектуры, дизайна и искусства «Осенний марафон» состоялся второй этап художественного проекта «Форточка» молодой художницы Елены Коровянко.

Неделю назад, 14 ноября, Елена Коровянко уже представляла свои работы саратовской публике. В прошлом номере «Богатей» писал об этом мероприятии («Взгляд сквозь форточку»). Напомню, что тогда в рамках первого этапа проекта на нескольких улицах города прошла акция, в ходе которой были представлены пять живописных работ Елены. На каждой из них художницей было изображено окно с открытой форточкой с видом на необычные для города пейзажи. Пейзажи, порой, совершенно нереальные.

Одной из основных идей проекта стала игра с пространством. Поэтому вместо привычных заоконных видов взору любопытного саратовца, решившего заглянуть в «окно», являлись совсем иные виды: священной рощи или же неба с бегущими облаками. Одним словом, виды, которые никогда не могли бы оказаться за реальными окнами. Работы располагались на домах, гармонично вписываясь в архитектуру города.

В прошедшее же воскресенье в помещении Радищевского музея завершился второй этап художественного проекта «Форточка». В 15 часов состоялось открытие выставки живописных изображений окон, участвовавших в акции 14 ноября. Открыла выставку сотрудница музея Наталья Коптель, заведующая сектором новейших течений, рассказавшая вкратце посетителям выставки о прошедшей акции и ее наиболее интересных моментах.

О сути проекта, об игре с пространством и неслучайности выбранного образа форточки публике поведал сам автор – Елена Коровянко. Посмотреть на работы Елены в тот день пришло, по сравнению с событием недельной давности, немало ценителей изобразительного творчества, в числе которых были и друзья художницы, поздравившие Елену с ее первой персональной выставкой.

Помимо картин Елены Коровянко, на выставке была представлена и «документация» с первого этапа проекта: тексты и видеозапись акции, а также фотоработы Виктории Срогович с места событий.

Фестиваль «Осенний марафон», в рамках которого проводился проект «Форточка», – это фестиваль идей и художественно-ориентированных акций, направленных на новое видение и развитие города. Одной из целей фестиваля является творческое осмысление и освоение городского пространства. Проекты, из которых состоит «Осенний марафон», объединены общей темой: «Пространство города – пространство культуры».

Выставка художественного проекта «Форточка» продлится до 26 ноября.

Илья СВЕШНИКОВ

газета "Богатей", №40 (554), 25 ноября 2010 г.

Теплым воскресным днем 14 ноября прохожие центральной части Саратова могли с удивлением для себя обнаружить, что привычный заоконный вид некоторых стареньких домов вдруг чудесным образом преобразился. Вместо занавесок, подоконников, кухонной посуды, цветов и прочей утвари глазам являлись картины чудесных пейзажей: священной рощи, неба с бегущими облаками, а то и просторов необъятной космической пустоты.

Кто из нас не мечтал, чтобы окружающее пространство хотя бы на миг да зажило чудесным образом законами нашего воображения? Каждый из нас когда-нибудь грезил о прыжках на облаках и о полетах в небе. Например, однажды в детстве мне захотелось взглянуть на то, как выглядит мир вверх ногами. Как это – ощущать себя вниз головой? Я вставал на руки, опираясь ногами об стену, или же брал большое зеркало и гулял с ним по квартире, глядя в отражающееся там пространство потолка.

Игра с пространством всегда увлекала не только детей, познающих окружающий мир, но и людей, жаждущих заглянуть за рамки обыденной реальности. Не стала эта тема исключением и для молодой художницы Елены Коровянко. В рамках Саратовского фестиваля архитектуры, дизайна и искусства «Осенний марафон», проводимого Радищевским музеем, Елена представила свой художественный проект «Форточка». В минувшее воскресенье завершился первый из двух запланированных этапов проекта.



Елена Коровянко, автор проекта

С десяти утра в течение нескольких часов на ряде улиц центральной части Саратова были поочередно представлены авторские живописные изображения. На каждом из изображений нарисовано окно с открытой форточкой, за стеклами которого открывается необычный вид. Именно форточка стала центральной частью авторского замысла.

Образ форточки, в честь которой был назван проект, выбран Еленой не случайно. Для автора это интересный и многозначный образ. Образ, можно сказать, архетипический, вызывающий большое количество ассоциаций. С форточкой связано множество различных историй. Форточка может стать удобным спасительным входом или выходом, через нее случаются кражи, в ее проеме любят сидеть кошки, у форточки курят, через нее проветривают помещение. Форточка – связь внутреннего и внешнего пространства, единение личного и общественного. В доме через нее слышно, что происходит на улице, а с улицы слышны звуки, доносящиеся из дома. Форточка, по словам художницы, «самое подходящее отверстие для проникновения в сакральное пространство». Недаром даже на страницах сонников немало отведено толкованию этого образа. Сам же проект для Елены – это «вариант перехода в желанное пространство посредством искусства».

Стоит заметить, что не случайными были и адреса размещения «окон», названные условно «точками». Почти на каждом из домов, где были помещены картины, на стене было место, архитектурно оформленное под окно, однако таковым не ставшее. Именно на таких пространствах по большей части и располагались работы.

Точкой номер один стал дом на улице Киселева, оказавшийся, по иронии судьбы, подпольной распивочной. Сновавшие мимо каждые пять минут любители горячительных напитков особого интереса к происходящему не проявляли. Равно как и жительница «питейного дома», которую, ко всему прочему, явно возмутило появление «художественной делегации». Дама наблюдала за выставкой с порога, нервно покуривая сигарету, видимо, опасаясь чрезмерного внимания к заведению. Однако все это не помешало художнице представить свое первое творение – окно, за которым открывается вид на священную рощу, «символ глубокого подсознания человека», вступая в которую, человек соединяется с божественным внутри себя.

Елена уточнила, что пейзажи за окном, нарисованные на картинах, представляют собой пространства, которые никогда не могли бы оказаться за окнами реальными. Это пространства иного мира, они открывают новые глубины сакрального пространства души человека, а дорогой в них служит все та же самая форточка.

Следующей «точкой» появления волшебного окна стала улица Мичурина. Но и здесь не обошлось без сюрпризов. Дом, построенный более ста лет назад, на котором планировалось разместить «окно», находился под охраной группы быстрого реагирования. Работники ГБР предупредили, что хозяину, выкупившему не так давно этот дом, может очень не понравиться происходящее, будь он на месте, посему посоветовали не рисковать. Однако после непродолжительного разговора  упорство участников немногочисленной акции взяло верх над стражниками. На суд прохожих Елена представила свою вторую работу, одну из самых красивых, на которой за живописным окном открывается голубое небо с бегущими облаками. На картине видно, что часть облака влетает через открытую форточку в помещение. Изменчивость облака сродни изменчивости человека. Именно облака призывают человека ощутить постоянное движение жизни, почувствовать ее пульсацию и ритм, ощутить вечность духа и изменчивость материи.

К сожалению, выбранные автором места оказались немноголюдными, особенно в первой половине воскресного дня. Однако немногочисленные прохожие, согласившиеся принять участие в акции и высказать свое мнение по поводу увиденного, по большей части по достоинству оценили авторский замысел. Хотя нашлись и те, кто пожелал увидеть нечто другое, нежели изображения окон, которые «и так есть». Некоторые проходили безучастно мимо, некоторые обходили место действа. Не принесла успеха и попытка проверить восприятие случайных прохожих в более спокойных условиях: участники выставки на время покинули экспонат, оставив его один на один с курсирующими мимо гражданами. Однако никто из «испытуемых» не проявил интереса к художеству. Либо «окна» гармонично вписались в городской интерьер, так что даже периферическое зрение абсолютно не распознало живопись на стенах ветхих строений, либо воскресный сон еще окончательно не покинул сознания саратовцев, а, быть может, интерес к искусству у наших земляков отсутствует как таковой.

На Провиантской, в третьей «точке», «за окном» можно было увидеть и вовсе необычную картину: здесь взору являлась Земля, обозреваемая из космического пространства: безумство масштаба, безграничность и свобода полета. Разве все это не дает человеку творчество? – как бы намекает нам автор.

Единственный ночной пейзаж был представлен на улице Григорьева. Спокойствие и задумчивость ночного неба, манящая космическая бесконечность, расширяющая наше сознание, – все это напоминает нам о нашей сопричастности с мирозданием. И если на картине с небом облако влетело в открытую форточку, то на этом изображении в открытую форточку ярко светит далекая звезда, видимо, напоминающая нам о глубинной духовности в нас самих.

Поставить точку автору идеи предстояло на Первомайской. Гармонично вписавшееся в архитектуру изображение окна открывало перед нами наши же возможности. Сквозь туман за окном виднелись просторы, деревья, небо. «А может быть, за ним ничего и нет?», – говорит автор. Может быть, это нам кажется? И предлагает нам самим поиграть с открывающимся пространством посредством тумана и воображения, заставляя поверить в свои возможности.

Оценили последнюю работу Елены и дети, которые больше других захотели в прямом и переносном смысле прикоснуться к творчеству. Ощупывая поверхность картины своими маленькими пальчиками, будто пытаясь проникнуть в то самое пространство, дети, как никто другой, со свойственной им живостью поставили точку: «Кра-со-та!».



Второй этап проекта художницы стартует 21 ноября в 15 часов в Радищевском музее на улице Первомайской, где откроется выставка живописных окон, а также будут представлены фотографии, видеозаписи и тексты с прошедшей 14 ноября акции.

…Глядя на картины, представленные Еленой в тот воскресный день, невольно вспоминаются строчки из песни Константина Никольского «Мой друг художник и поэт»: «А может быть, разбить окно и окунуться в мир иной?». Несмотря на то, что музыкант подразумевал нечто другое, пространства, представленные на картинах Елены Коровянко, – это пространства мира иного, мира внутри нас. Вот только разбивать окно, чтобы попасть в них, не нужно. Достаточно лишь открыть форточку…

Илья СВЕШНИКОВ
фото Лада Билоконенко, Илья Свешников

газета "Богатей", №39 (553), 18 ноября 2010 г.

2 ноября в Саратовском государственном художественном музее имени А.Н. Радищева, в рамках цикла «Графический альбом», состоялось открытие выставки «Альфонс Муха. Декоративные панно, афиши, плакаты», приуроченной к 150-летию со дня рождения выдающегося чешского живописца, мастера театральной и рекламной афиши, одного из ярчайших представителей стиля «ар нуво».



Альфонс Муха в русской рубахе в своей студии, Париж, 1899

Имя Альфонса Мухи мало известно в России. Однако именно оно стало символом живописи конца XIX – начала XX веков. Муху считали одним из самых характерных художников эпохи модерна, хотя сам он всячески отрицал свою причастность к этому направлению. Он считал, что принадлежность к какому-либо стилю в искусстве равносильна потере собственной индивидуальности.

На выставке представлены четырнадцать работ художника, выполненных в технике литографии. Среди них – три афиши, выполненные Мухой по заказу театра «Ренессанс» во времена проживания в Париже. Самая ранняя – для спектакля «Жисмонда» (1895) по пьесе французского драматурга Викторьена Сарду, «Лорензаччо» (1896) – для спектакля по пьесе Альфреда де Мюссе и «Самаритянка» (1897) – к постановке драмы Ростана, где главные роли исполняла великая актриса Сара Бернар. Каждый из плакатов отличается подчеркнуто вертикальным форматом, необычайной многоцветностью и детализацией. В свое время чех буквально перевернул бытовавшие в то время представления о дизайне афиш. Ведь до Мухи преобладали афиши с большим количеством текста и несколькими мелкими иллюстрациями в 1–2 цвета. Нужно заметить, что вертикальный, продолговатый формат работ Мухи, широко введенный художником в обиход, стал одним из его фирменных знаков.

Альфонс Муха – автор нескольких серий декоративных панно конца XIX – начала XX веков: «Времена года», «Цветы», «Искусства», «Месяцы», «Драгоценные камни» и «Звезды». В коллекции Радищевского музея имеется четыре работы из первой серии «Времена года»: «Весна», «Лето» (на фото), «Осень» и «Зима». Полностью на выставке представлен цикл «Цветы» («Роза», «Ирис», «Гвоздика» и «Лилия»). В центре каждой из композиций – женщина в ниспадающей одежде, с длинными роскошными волосами, утопающая в море цветов.



Декоративное панно "Лето" из серии "Времена года", 1896

Фигура прекрасной и грациозной женщины, вписанная в орнамент из цветов, листьев и арабесок, также стала одним из его фирменных знаков. Каждая из сотворенных художником красавиц имеет свой характер, свою изюминку. Можно сказать, что стиль модерна в работах Мухи – это стиль женщин и цветов. От его произведений веет спокойствием и негой. Многие критики отмечают в работах художника изысканный колорит, «теплый, как женское тело». Его работы отличаются неповторимой композицией, гармонией форм, обилием декоративных элементов и теплой цветовой гаммой. «Стиль Мухи» оказал большое влияние на целое поколение графиков и дизайнеров.

Муха любил византийские золотые и серебряные цвета, слегка как бы поблекшие от времени. Именно этим объясняется «недостаточная» яркость многих его работ, которую может сразу же заметить зритель на выставке. Но чтобы золото и серебро выразить, художнику потребовалось изобрести свой личный способ литографии, потому что византийские цвета до Мухи употреблялись очень редко, и технология литографии к ним не была предназначена.

Большое значение Муха придавал художественной многогранности. Стараясь внести в повседневную жизнь красоту, Муха сумел по-новому взглянуть на «второстепенное» искусство, преображая простые, окружающие нас вещи. Свой след чешский художник оставил в самых различных областях: изобразительном искусстве, театральных афишах, мебели, промышленном дизайне и рекламе, ювелирных изделиях. Таланту Мухи принадлежат и образцы первых почтовых марок Чехословакии, один из вариантов государственного герба и даже правительственные бланки и конверты. Работал Муха и над интерьерами самых известных зданий Праги в стиле модерн – Муниципального дома, отелей «Европа» и «Империал». А в 1931 году он создал витраж для новой архиепископской часовни в соборе Святого Вита в Праге.

На выставке представлены лист из календаря «Calendrier L’Evocation» («Воскрешение в памяти») и пара рекламных плакатов Мухи: реклама сигаретной бумаги «JOB» (1896) и реклама пива «Bieres de la Meuse» (1896).

Связала жизнь Альфонса Муху и с Россией. В начале XX века Муха решил воплотить в жизнь свою давнюю мечту – прославить в своих работах славянскую культуру. Художник начал работу над одним из самых больших проектов в своей жизни – циклом картин, который он назвал «Славянский эпос». Весной 1913 года Альфонс Муха отправился в Россию, чтобы собрать материалы для будущих картин цикла, посвященных России, и уже в 1914 году напишет картину «Отмена крепостного права в России». «Славянский эпос» был закончен в 1928 году и состоял из двадцати огромных полотен. Однако в завершающей картине цикла, которая называется «Апофеоз истории Славянства», русские и Россия отсутствуют. Картина была написана в 1926 году, и, видимо, Муха не мог связывать будущий расцвет славянства с властью большевиков в России.

О судьбе коллекции работ Альфонса Мухи Радищевского музея, к сожалению, мало что известно. Работы, представленные на выставке, были переданы музею Боголюбовским рисовальным училищем в 1898 году. А последний раз коллекция экспонировалась в музее в 1983 году, но не полностью. На нынешней же выставке представлены все четырнадцать работ, находящихся в фонде.

Выставка продлится до конца февраля следующего года.

В свои 19 лет Константин Окуджава – лауреат и обладатель Гран-при двенадцати международных и четырех всероссийских конкурсов – музыкант, который из года в год не словом, а делом, а точнее – музыкой и своими успехами, оправдывает звание молодого таланта. Последнее доказательство тому – победа на Международном конкурсе «Brahman & Flores» во Владивостоке в августе этого года.

Уже не в первый раз тольяттинский гитарист посещает наш город. Год назад саратовцы смогли по достоинству оценить игру Окуджавы. Но если тогда Константин солировал с оркестром Саратовской филармонии, то на сей раз, 22 октября на концерте в рамках фестиваля «Молодежь XXI века» в Большом зале консерватории им. Собинова, музыкант был со зрителями один на один.

Родился Константин Окуджава 23 апреля 1991 года в городе Тольятти Самарской области. Осваивать классическую гитару начал в десятилетнем возрасте, поступив в местную музыкальную школу, которую в 2005 году досрочно окончил. Выпускник колледжа при Тольяттинском институте искусств (класс профессора Григория Эстулина и доцента Галины Шульговской). Сейчас Окуджава – студент Российской академии музыки им. Гнесиных (класс профессора, заслуженного артиста России Николая Комолятова).

По мнению многих, в свои 19 лет Константин Окуджава – уже зрелый музыкант со своим творческим лицом. Пришедшие на концерт Константина могли воочию убедиться в способностях молодого музыканта, в его артистизме, экспрессии и блистательном умении владеть звуком. Нередко о таланте тольяттинского гитариста можно услышать эпитеты вроде «необыкновенно одаренный», «неподдельно экспрессивный», «уникально чувствующий стиль», «блистательный владелец чистейшего звука» и др.

Начал свое выступление Константин с исполнения одной из самых проникновенных и ярких пьес парагвайского классического гитариста и композитора Агустина Барриоса «Последнее тремоло». В концерте прозвучали прелюдия и два гавота из сюиты № 3 для лютни немецкого композитора Иоганна Себастьяна Баха, вариации на анатолийскую тему замечательного итальянского композитора и гитариста Карло Доменикони, танго «Примавера портена» выдающегося аргентинского музыканта и композитора второй половины ХХ столетия Астора Пьяццоллы, чьи сочинения в корне перевернули традиционное танго.

Но больше всего в тот вечер зрители услышали сочинений известных авторов Испании: «Большое соло» одного из выдающихся исполнителей на классической гитаре в XIX веке Фернандо Сора, 2 прелюдии входящего в число крупнейших деятелей испанской музыки XX века, композитора и музыкального критика, Хоакина Родриго, сонату, op. 61 из гитарных сочинений композитора, пианиста, дирижера и музыкального критика Хоакина Турины. Прозвучали произведения и современных испанских композиторов и гитаристов фламенко: «Таранта» Пако де Лусии и «Булерия» Герардо Нуньеса.

Виртуозно отыграв «Булерию» Нуньеса, Константин под громкие аплодисменты, раскланиваясь, уходит со сцены, куда еще раз выйдет мгновение спустя поблагодарить зрителей, принять скромный букет цветов из рук молодой слушательницы и услышать несмолкаемые благодарные аплодисменты. Но в этот вечер на бис зрители так ничего и не услышат: через 20 минут Окуджаву будет ждать машина. Гитарист уходит за сцену, где в коридоре, сидя в кресле, откинув голову и вытянув ноги, Константин ждет ключ от гримерки.

Тем временем ценители гитарной музыки, преимущественно ученики музыкальных школ, уже потянулись вслед за Окуджавой – попросить автограф, поблагодарить, поздравить, высказать свои слова восхищения. Константин просит чуть подождать – ему необходимо ослабить натяжение струн на своей гитаре. Спешно покрутив колки, музыкант безотказно оставляет автографы всем желающим – кому на билете, кому в нотной тетради, в ответ благодаря признательных слушателей скромными «Спасибо большое», «Спасибо, что пришли». Услышал в свой адрес Константин и слова восхищения от «ветеранов», как представились ученики саратовского гитариста Виктора Ильичева.

Известно, что Константин Окуджава включен в программу «Молодые таланты России». В 2006 году Константин Окуджава был удостоен чести представлять дни культуры г. Тольятти в Париже. А в сентябре этого года музыкант совершил концертную поездку в Милан.

Корр.: Константин, что это была за поездка в Италию в сентябре?

К. Окуджава: Есть такой фонд социально-культурных инициатив, который возглавляет супруга Президента РФ Светлана Медведева. Это был проект фонда, который назывался «Русский вечер в Милане», он совпадал с Неделей Высокой моды. Был благотворительный концерт, аукцион, фешенебельный ужин. Вырученные средства с этого мероприятия отправлялись в дальнейшем на различные социальные нужды.

В 2006 году вместе со своим сверстником Андреем Гриневым в составе дуэта «Резонанс–12» Окуджава удостоился первой премии на III Международном конкурсе «Виртуозы гитары» в Санкт-Петербурге.

Корр.: Что это за дуэт «Резонанс–12»?

К. Окуджава: Есть такой известный коллектив «Резонанс», который работает во многих жанрах, ему очень много лет. Мы назывались «Резонанс–12», потому что это был его двенадцатый состав.

Корр.: Какова судьба вашего дуэта?

К. Окуджава: В данный момент наш дуэт уже не существует.

Известно, что премию, полученную за победу на Международном конкурсе «Brahman & Flores» во Владивостоке в этом году, Константин «вложил» в новый инструмент, который уже заказан в Австралии. Размер денежной премии составил 5000 американских долларов.

Корр: Почему гитара была заказана именно в Австралии?

К. Окуджава: Сейчас австралийские гитары пользуются огромной популярностью, потому что они не похожи ни на какие другие инструменты. Самое главное их отличие – это громкость. Уровень звука, который на них можно извлекать, кардинально отличается от других. Они очень дорогостоящие и сейчас в моде.

Корр.: У кого была заказана новая гитара?

К. Окуджава: Гитара была заказана у мастера Саймона Марти.

На счету Константина 16 побед в различных конкурсах. Безусловно, для девятнадцати лет это отличный результат.

Корр.: Костя, а какая из побед самая ценная?

«Может быть, Фраучи?», – обращается к Константину сидящая рядом Галина Анатольевна Шульговская, тольяттинский педагог Окуджавы, один из руководителей продюсерского центра молодого гитариста, подразумевая победу на I Международном конкурсе им. Александра Фраучи в Москве в 2009 году.

К. Окуджава: (подумав) Да, наверное. Я просто абсолютно не надеялся, что что-то у меня получится, но вот получилось.

На самый, наверное, популярный вопрос, является ли Константин родственником барда Булата Окуджавы, Константин однозначно отвечает «однофамилец».

В Российскую академию музыки им. Гнесиных Константин поступил в сентябре прошлого года, куда был зачислен сразу на второй курс. Сочетать концертную деятельность с обучением в академии для Константина оказывается пока не проблематично. Для примера, в концертном сезоне с октября по март у Окуджавы 20 концертов. Но грядущая зимняя сессия, по его словам, что-то явно вскроет. А вот после неудачных, по мнению музыканта, концертов ему подчас кажется, что карьера и вовсе закончена, так что и разговаривать не хочется. Однако все-таки чувствуется, что такая карьера девятнадцатилетнему Константину дается не совсем легко.

В отличие от зрителей, высоко оценивших выступление Окуджавы в тот вечер, сам Константин свою игру оценил с изрядной долей самокритики.

К. Окуджава: (эмоционально) Сегодня был действительно отвратительный концерт.

Г. Шульговская: (улыбаясь) Особенно второе отделение играл сердцем, я это почувствовала. Не знаю, чем он недоволен! Он всегда недоволен!